『スマッシング・マシーン』ベニー・サフディ監督ロングインタビュー ─PRIDE日本描写、ドウェイン変身、そしてテクニック、すべてを語る
映画『スマッシング・マシーン』で、ドウェイン・ジョンソンは総合格闘家マーク・ケアーを演じている。しかし本作が描くのは、単なる格闘技の栄光ではない。勝利の先にある孤独、敗北を認めることの難しさ、そして自分自身と和解していくまでの時間だ。
監督・脚本を務めたのは、ジョシュ・サフディとの共同監督作『グッド・タイム』（2017）『アンカット・ダイヤモンド』（2019）で、人間が追い込まれていく瞬間の熱と混沌を描いてきたベニー・サフディ。単独監督作となる本作で彼が見つめたのは、リングの上の勝利ではなく、ひとりの男が自分自身を理解していく過程だった。
THE RIVERでは、来日したサフディに単独インタビューを実施。マーク・ケアーの人生をどのように切り取ったのか、ドウェイン・ジョンソンを“ザ・ロック”ではなくマーク本人に見せるための演出、PRIDE時代の日本描写へのこだわり、そして劇中音楽やリアルな喧嘩の場面に込めた意図まで、じっくりと語ってもらった。
貴重な来日インタビューの様子は、THE RIVERの公式YouTubeチャンネルで動画公開中だ。映画本編の理解がグッと深まるサイドテキストとして、じっくりお楽しみいただきたい。
『スマッシング・マシーン』ベニー・サフディ監督 来日単独インタビュー──本日は『スマッシング・マシーン』ベニー・サフディ監督にお越しいただいております。ベニーさん、初めまして。日本へようこそお帰りなさい。
こちらこそ、初めまして。戻ってこられて嬉しいです。
──今は桜が満開の季節です。桜は見に行きましたか？
行きましたよ！ちょうど昨日、「三鷹の森ジブリ美術館」を訪れたんです。信じられないくらい素晴らしかった。近くの公園では桜が満開で。本当に素晴らしくて、見事でした。今は雨が降っていますが、これで散ってしまわないといいな。
──ところでそのTシャツ、どこで手に入るんですか？（笑）
このTシャツは、実はスタッフのために作ったんです。Minor Planetっていう会社で、日本だとポーターとも仕事をしているところですね。彼がデザインしてくれたんです。本作に携わった全員用にね。だから非売品なんですけど、カッコいいでしょう？
──“頂天”と、漢字が描かれている。
そうなんです、ユカリという、彼女の母が日本人なんですけど、彼女がこれを書いてくれたんです。なんて意味でしたっけ？
──“Top of the world”といった意味ですね。
そう、そう！
──いいですね！ところで、あなたの兄弟のジョシュも最近、『マーティ・シュプリーム 世界をつかめ』を日本で撮影したというのが面白いですよね。あなたの撮影の方が先でしたか？
僕の方が先でした。確か、彼がまだ撮影している間に、僕は編集まで終えていたかな。だから、僕の方が確か1年早かった。
──兄弟の間で、日本ではこうだったよとか、こうするといいよ、みたいな話はされましたか？
それが面白い話で、彼が日本で組んだクルーが、僕のクルーと同じだったんですよ。だから、“彼らはもう慣れているよ”って話はしましたね。働く上でのスピード感とか、動き方とか。僕のおかげで準備が済んだ感じ（笑）。
──ノウハウを蓄えてあげたんですね（笑）。
その通り（笑）。
──さて、本作『スマッシング・マシーン』は“敗北”についての物語だと感じました。マークは勝利に酔いしれていましたが、ある時点から、より人間らしくあるべく苦しんでいたように思います。あなたは主に男性の観客に向けて、敗北を認めることは決して恥ずべきことではないと伝えようとしていたのでしょうか？
敗北とは、実は最も誇るべきことなんです。人間として成長するためには、負けるしかない。もしも自分の過ちも敗北も認めなければ、個人として成長することはないんです。
そして、マークの物語で僕が特に素晴らしいと思ったのは、あれだけの経験をしながらも、彼はなおも幸せだ、ということ。彼は人生に安らぎを見出していたんです。ある時点では頂点にいて、今では必ずしもそうではないという人が、ただ人生を歩いている。それって美しいことだし、それこそ僕たちみんなが目指すべきことだと思ったんです。彼は自分自身と和解できている。それは、彼が依存症に苦しみ、克服した結果だと思います。
©2025 Real Hero Rights LLCもしも自分が依存症なら、最初のルールは、自分が依存症だと認めることですよね。誰にとっても、「自分はこうだ」と言うのは難しいことです。だって、人は常に言い訳をしますからね。今回だけだとか、多分ここだけだ、とか、こういう時だけだ、とか。絶対に認めようとしないんです。
そして、その最初の一歩は、自分が何者で、どんな問題を抱えているかを口にすることです。人はそうやって成長する。そうやって内なる平安を見出すんです。だから、この映画は、1人の人間が自分を理解していく物語なんです。確かに格闘家を描いたものではありますが、そういう意味でのスポーツ映画ではありません。
僕は、本作をとても正直な映画にしたかった。映画を観た後に、鑑賞中に感じたことを振り返りたくなるような作品にしたかったんです。彼と恋人との喧嘩はすごくリアルなものにしたかったし、本物の喧嘩のようなリズムを持たせたかったんです。一方がもう終わったと思ったら、もう一方が反撃してきて、また展開が変わって、爆発するまでずっと続くようなね。
──あなたの映画の大ファンとして、前作『グッド・タイム』（2017）『アンカット・ダイヤモンド』（2019）、そして本作『スマッシング・マシーン』と観ていくと、良くも悪くも“人は収まるべきところに収まる”というアイデアが共通しているように思います。当然の報いがある、というか。あなたの作品では、これが大事なテーマなのかな、と思っていて。
僕の中にはいろいろな意味で道徳的なところがあるんです。キャラクターに真実味を持たせて描きたいし、努力して勝ち取ったわけではない成果を得てほしくない。良くも悪くも、これが収まるべきところだとね。
負けるべきだったのなら、負けることになる。勝った方がいいからといって勝たせることはしない。だって、どうして勝った方がいいんだ？そっちの方が、観客が興奮して劇場を後にできるから？それはそうかもしれない。でも、それはその人物が望む結末じゃない。この映画では、彼は自身の行動の結果として様々な出来事を経験する。それを変えることはできない。物語の行方は、キャラクターが決定づけるんです。
©2025 Real Hero Rights LLC──その点についてもう一つ質問です。映画には結末がありますが、実際の人生は続いていきます。これまでの映画に登場したロバート・パティンソンもアダム・サンドラーも、それぞれの結末がありましたよね。でも、マーク・ケアーは実在の人物で、まだ生きていて、人生が続いています。映画が人の人生の一部のみを捉えるのなら、その切り抜き方について、どう考えるのですか？
まさに、そういうことを考えていましたよ。人の人生すべてを捉えようとしたら、描こうとする全てに縛られてしまうこともあると思う。一方で、人生の一部だけを描き、その人物の本質を捉えるのなら、そうなると今度は演技に集中しなければならない。見せるものの細部にも集中しなくてはならない。それを実現するために、特定の時期の中に深く没入しなくてはならない。
だからこそ、本作の結末がとても重要だったんです。現実でのマークを見せたかったのは、彼は今の人生で「大丈夫」なのであり、自分自身に幸福を見出している姿を見せたかったからです。そして、映画で描いてきた彼は、彼自身なのであることも示したかった。
実際、ドウェインは彼の欠点も、美しさも、ユーモアも、強さも全て含めて、彼になりきるという素晴らしい仕事をしてくれたおかげで、そうできたんです。特定の時期に焦点を当てることで、その人物を深く描くことができると思うんです。そうすれば、物語を急ぐ必要がなくなり、時間をかけてその人物と向き合うことができるからです。
©2025 Real Hero Rights LLC──劇中の音楽についてもお尋ねしたいです。
もちろん。ナラ・シネフロのサウンドトラックがリリースされたばかりだと思います。素晴らしいですよ。
──ジャズドラムのビートを多用されましたよね。とても自然に感じました。まるで彼の内面から溢れるような、格闘は彼が毎日向き合っているものだと感じられるような。そして、『ロッキー』のような映画で流れるような壮大なスコアとも違います。すごくジャジーでした。一方で、そのために緊張感が取り除かれていたようにも思います。音楽は、なぜあのように？
この映画で催眠術をかけたかったんです。彼そのものの感覚を味わって欲しかった。彼はドラッグをやり、霧の中を漂うみたいに、世界を動き回っている。それから、総合格闘技には即興性があるとも思ったんです。動きに一種の感覚があるというか。そしてなぜか、試合を見ているうちに、“ジャズだな”と思ったんです。何が起こるかわからないですからね。だから、そう感じたんです。
それで、ナラは素晴らしいアーティストで、まだ映画音楽は未経験でした。ご一緒させていただいた時に、僕は彼女を役者と思って話していました。登場人物たちが何を感じ、何を経験しているのかを伝え、それを彼女が音楽へと昇華してくれたんです。サントラでサックスを演奏しているヌバイア・ガルシアが素晴らしかった。最高の仕事をしてくださいました。
僕にとって、本作の音楽は映画の“感情的な字幕”のようなものだったと思います。キャラクターが何を感じているのか、どんな人生を送っているのか、それが映画の中に、映画の音楽の中に表されているんです。
時にはそれが対照的になることもある。例えば、とても幸せそうな場面なのに、そうではない音楽が流れていたり、すごくエキサイティングな場面なのに、音楽がそれに合っていなかったりする。実際はこうなんだという表現です。この状況で、彼らがこういうことを感じていると伝えたかった。
──即興的という話ですが、カメラをリングの中に入れなかったのも同様の理由で？
そうです。目指したのは、正気じゃないほどのレベルで現実を再現すること。“どうやって実現したんですか？”と思われたかった。本作はドキュメンタリーではない。でも、時間を遡る必要があった。そして、カメラがどこを向いていても、現実そのものと感じさせたかった。
映画制作の一般的な性質上、もし自分がリングの外側にいて、誰かがパンチを打って、リング内にカットインしたとする。パンチの瞬間を見るとする。でも技術的には、リング外のカメラが、ちょうどそのパンチの瞬間にリング内のカメラも撮っていたことになるでしょう。だから僕は、現実的なことを考えていたんです。
©2025 Real Hero Rights LLC例えばこのインタビューの場所にも、複数のカメラが一方側に置いてありますね。つまり、ここからカットして別のショットに移ったとしたら、そのカメラからはこっちのカメラが映っているわけです。映画って、そうやって作られているんです。でも、通常は誰も疑問に思わない。映画ってそういうものだから。
だから、ショットとリバースショットがあって、そして君を見る。でも、僕の後ろにあるカメラは映らない。そういうものなんです。そうやって編集するんです。
でも僕は、これを応用したかった。どうでしょう、カメラが映らない状態で、どうやって捉えられるか？例えば、映画の中で、あなたの持っているその紙（筆者の質問リスト）をクローズアップで撮りたい時、（撮影監督の）マセオ・ビショップに「ここから始めて、回って、クローズアップして、そして戻ってきて」と指示します。そして編集で、あなたから始まり、僕に移り、そしてクローズアップに流れるようにする。そうやって、僕はその都度、常にカメラの配置を考えていました。リングの外側にとどまることで、よりリアルに感じられると思ったんです。何も隠していないことが伝わる。トリックなんてありません。今ワイドショットで撮っているけど、誰かが顔面にパンチを受けて倒れるのが映っている。
確かに彼らの配置は意図的ですし、振り付けも綿密にやっていますよ。でも、他のどんな方法よりも、今回の方法の方がずっと難しかった。それでも、「あぁ、本当にこうだったんだ」と自然に思えてしまうんです。うまくできればね。
──“現実の再現”ということについて。プライドは日本でとても馴染み深く、懐かしさもあります。僕も子供の頃、よく試合を観ていました。すごく自然な日本が描かれていて嬉しかったです。日本のヒット曲が流れているところとか、さりげないけれど、懐かしくてしっくりきました。描写について特に注意したところとか、日本の観客に気づいてもらいたいポイントはありますか？
とても嬉しいです。全体的には、プライドのリングやバックルーム、質感、素材、あとポカリスエットとか（笑）、そういった再現のこだわりはすべて重要でしたね。細心の注意を払いました。テレビ台の置き方とか、プロダクションデザイナーのジェームズ・チンランドが手がけた椅子や色など、全てをリアルで本物らしくしたかった。
©2025 Real Hero Rights LLCそれから、後半の質問についてですが、特に劇中のインタビューのシーンでは、背景に映り込むインタビュワーたちについても、全員日本人を起用しています。完璧な英語を話す人が来て、英語を話せないふりをするのはフェイクですから。だから、第二言語として英語を話す人たちを探したんです。
彼らを招き入れ、脚本を渡して、「日本語に翻訳してください」と頼むと、自分たちで日本語に翻訳してくれたんです。それで、“私の言ったとおりではなく、翻訳した通りに英語で話してください”と指示しました。だから語句は変わっているんです。彼ら自身の言葉が欲しかったからです。だから、彼らが翻訳した言葉が映画にそのまま使用されているんです。とてもリアルなものにしたかったし、敬意も払いたかった。
お互いを理解し合うことに難しさがあるのだとしたら、それは双方に要因があるようにしたかった。ドウェインがインタビュワーを理解できなかったというだけじゃない。インタビュワーも、ドウェインの言いたいことがはっきりわかっていなかったんです。「教えてくれ、私は人間として聞いてるんだ」という感じで、彼は説明を迫り続けていた。だから双方向の問題なんです。同じ言葉を話さない2人がコミュニケーションを取ろうとしているのですから。
──観客は、どうしても本作を「ドウェイン・ジョンソンがマーク・ケアーを演じている」という視点で見始めると思います。演出の面で、ドウェインではなくマーク・ケアーに見せるための肝は何でしたか？
ほとんどカズ・ヒロの特殊メイクのおかげです。素晴らしい仕事をしてくれました。見てもらえればわかりますが、ここの（口の）部分はドウェインなのに、鼻や眉の形が違うし、耳はカリフラワー耳になっています。彼のタトゥーも隠しています。本当に完璧で、彼がこれほどまでに細部にこだわり、ここまで繊細に表現できたのが信じられないほどです。
それに、彼は格闘シーンや殴り合いのシーンをたくさんこなしたのに、プロステーゼ（補綴具）が取れなかったんです。ドウェインが役になりきることが重要でした。彼にとっても、あのプロステーゼをつけていることが、本当に心地よかったのだと思います。そのおかげで彼は感情を自由に表現し、新しい感情を探究することができたのでしょう。泣いたり、悲しくなったり、笑ったり、ジョークを言ったり。彼は別人のようになったんです。
©2025 Real Hero Rights LLC僕の好きな俳優が、ドウェインについてすごく面白いことを言っていました。ブラッドリー・クーパーです。彼と話したんですけど、「ドウェインは呼吸の仕方すら違っていた」と言っていたんです。その通りです。本当にそうでした。彼は振る舞い方も違っていました。別人でした。それでも、彼は自分自身を役の指針として使っていたんです。それこそが、最も素晴らしい演技を生み出す要素なのです。
──マークとドーンの関係は、とても複雑でした。愛、共依存、悲しみ、怒り……色々なものが混じっていましたね。あなたにとっては壊れたラブストーリーでしたか？それとも、愛があるがゆえに壊れてしまった？
©2025 Real Hero Rights LLCどっちもあると思います。ボブ・ディランに「Don't Think Twice, It's Alright」という曲があるんですけど、うまくいかないこともあるよね、って内容なんです。2人が一緒にいる運命じゃなかったってこともある。彼らの場合もそうだったと思う。お互いを理解してほしいと願っている時点で、これは壊れたラブストーリーなんですね。
自分の気持ちをもっと明確に伝えられないのか？そうすれば彼女も彼の立場を理解して助けられるのに。それに、彼が苦しんでいる時だって、彼女も自分のことを脇に置いて、彼のためになれないものか？これはフィフティー・フィフティーのゲームなんです。決して片方のせいだけじゃない。
それを描くことが僕にとってとても重要だったし、その「壊れかけた」部分こそが、物語をこれほどリアルに感じさせる要因だと思う。だって、あの映画での口論が「リアルすぎる」と何人もの人から言われたか、数え切れないほどだから。それが怖いほどリアルなのは、口論というものがそもそも厄介なものだからです。些細なことがきっかけで始まることもあるけど、その些細なことが次第に増幅されて、もっと深い問題へと発展していくんです。
©2025 Real Hero Rights LLCある場面で、彼女は彼を見てこう言う。「あなたには私のことなんて、何も分かってない」。そして彼女は気付く。「わぁ、こんなに長い間付き合ってるのに、あなたは私のことを全く分かっていないんだ」と。それは本当に暗く、深い気づきです。それは彼が彼女に何かを伝えなかったことから生じています。なぜなら、人間関係では、人は物事を隠したり、脇に押しやったりするものです。もし物事を話し合わなければ、関係は崩壊してしまうのです。
そして、そういうことを表現することには意味があると思う。僕にとっては、そういう姿を見ることが助けになるんだ。そうすれば、「ああ、私だけじゃないんだ」と思えるから。そうやって見ることによって、将来はもう少し自分の気持ちを伝えられるようになるかもしれないし、もっと謝ったり、自分が間違っていたと認めたりできるようになるかもしれない。「そう感じてしまってごめん」ではなくてね。それは謝罪じゃない。それは「私の振る舞いをそう感じてしまってごめんなさい」と言っているに過ぎない。つまり、責任は相手にあると言っているようなものです。違う。「私が間違いを犯してしまってごめんなさい」と言うべきで、それだけのことです。誰かがそうしているのを見たら、それを手本にできるかもしれませんよね。
──本作では、プロではない役者も多く起用したそうですね。
ドウェインとエミリー以外は、みんなそうです。
──えぇっ。しかも、映画の最後に登場する医者も、本物の医者だそうですね。どうやって見つけたんですか？
本物の胸部外科医なんです。大好きな方です。僕の義父が病気で、彼がその手術を担当して、がんの腫瘍を取り除いてくれたんです。彼の患者への接し方がすごく良くて、思いやりがあって、声や顔立ちも素敵だったから、「映画に出てくれない？」って頼んだんです。
それに、彼が昔ボクサーだったことも知っていたから、その経験も活かせると思った。そう、いろんな理由があったんです。ただ彼が本当に好きだったし、義父への接し方も気に入っていました。この映画には彼が出演すべきだと思ったんです。
──ということは、彼を日本に連れてきた？
実はPRIDEのシーンの多くはバンクーバーで撮られているんです。現地を再現してね。だから、あのシーンもバンクーバーで撮られました。
彼を起用した理由は、そのショットで彼が縫合している様子が見えることにあります。相手はドウェインですから、彼に本物の針を刺したくなかったから、彼にこう言ったんです。「この役には最高の外科医を起用するよ」って。
というのも、彼の動きの仕方にも理由があるんです。動きながら縫合し、話している時のその動きは、外科医、つまり自分のやっていることを熟知している人間にしかできない。あのような動きは、バレエみたいに、誤魔化しが効かない。
ドウェインは顔に特別な補綴具を装着していたんです。表面には切り傷の跡があったけど、その下には貫通できないプラスチックの板が入っていて、本人が針で刺されるのを防いでいた。でも、そのせいでさらに難しくなったんです。外すのに5時間もかかるシロモノです。でも彼は、まるで本物の皮膚のように縫い合わせて見せたのです。
──最後に、短い質問。マークは劇中で、日本土産にお皿を購入します。あなたも日本でお気に入りのアイテムを見つけましたか？
はい。あるフリーマーケットに行った時のことですが、とても子供っぽくて可愛らしく、絵付けもとても美しい小さなカップが並んでいました。それを見た瞬間、どうしても手に入れたくなりました。作者の温もりが感じられたからです。これは“買いだ！”と思いましたよ。
本インタビューでは、『スマッシング・マシーン』のラストシーンに込められた驚きの狙いについても、監督から直接解説を聞くことができた。その内容は別記事にて掲載予定。インタビュー動画でも最後部分で確認することができるので、映画を鑑賞された方はぜひお楽しみいただきたい。
映画『スマッシング・マシーン』は公開中。
