（画像：『オペラ大図鑑』より）

オペラを鑑賞したことはあるでしょうか？

魂に触れるオーケストラの音楽と歌手の肉声、人間の感情をあますところなく表現する物語、演出、工夫を凝らした舞台装置と衣装。

”総合芸術”であるオペラは、舞台芸術の愛好家だけでなく、すべての芸術ファン、そして大人の教養でもあるといえるでしょう。

大型書籍『オペラ大図鑑』は、オペラの誕生から現代作品にいたるまで400年以上の壮大な歴史を、美しい多くのカラー写真とともに、イタリア、ドイツ、フランス、ロシア、チェコなど国ごとに、年代順で、182作品をも詳説した贅沢なヴィジュアルブックです。

日本では、東京・初台の新国立劇場にオペラパレスがあり、そこでは大野和士芸術監督の下で最高水準の公演が制作されています。今年は「椿姫」「コジ・ファン・トゥッテ」「トスカ」などが上演。海外からの招聘公演も戻ってきました。

この素晴らしい“総合芸術”オペラについて、鑑賞前の手引きとしても、その魅力をより深く味わうためにも、本文の一部を抜粋して紹介します。

国民オペラの誕生

オペラのその後の展開を知るには、時代よりも地域別にたどるのが最もわかりやすい。たとえば、19世紀はイタリア、ドイツ、チェコの各地域がそれぞれ国民国家への道を歩み、帝政ロシアがヨーロッパに接近した時代だった。同時に、旅行の拡大もまた相互交流を促進した。これほど大きく変化していく時代にあっては、オペラへの影響も必然だった。

グルックとモーツァルトの影響を受けつつ、旋律へのこだわりを持つイタリア音楽は、19世紀に5人の大作曲家を生み出した。ジョアキーノ・ロッシーニは17歳から37歳のあいだに39のオペラを創作した後、完全にオペラの作曲をやめた。《セビーリャの理髪師》や《チェネレントラ》などのオペラで、ロッシーニは「ベルカント」（流麗かつ技巧的な歌い方）を洗練させたが、これは後継者である作曲家ヴィンチェンツォ・ベッリーニとガエターノ・ドニゼッティに引き継がれた。

さらに偉大な作曲家が登場する。ジュゼッペ・ヴェルディだ。ヴェルディは数々の忘れがたい作品を創作しただけでなく、オーストリアの支配に対するイタリアの抵抗運動「リソルジメント」（イタリア統一運動）を、人間を通して描き出した。

とりわけ《ナブッコ》は、こうした抵抗のメタファーと言えるが、《リゴレット》《イル・トロヴァトーレ》《椿姫》などの人気作品は非常にロマンティックだ。ヴェルディの後継者であるジャコモ・プッチーニもまた、悲劇的なラブ・ストーリーに惹かれた点では劣らない。忘れがたい旋律にあふれるプッチーニの傑作オペラ《マノン・レスコー》《ラ・ボエーム》《トスカ》《蝶々夫人》は、いずれも不幸な定めのヒロインを描いている。

オペラの中心都市パリ

イタリア・オペラはイタリアにしっかり根づいていたが、1820年代以降はパリがヨーロッパのオペラの中心地となり、ヨーロッパ中から作曲家が集まった。彼らの影響力は絶大で、ロッシーニやドニゼッティ、ヴェルディもパリで作曲している。ドイツ出身のジャコモ・マイアベーアは「グランド・オペラ」として知られるスペクタクルを創作した。歴史的な題材の台本、豪華な舞台美術、長いバレエの間奏曲を含む5幕から成るオペラである。同じくドイツ出身のジャック・オッフェンバックはオペレッタ（オペラ・ブフ）を考案し、パリで、さらにヨーロッパ中で大人気となった。

このようにフランス・オペラは独自の路線を切り開かなければならなかった。エクトル・ベルリオーズは「グランド・オペラ」に背を向け、少数の抒情的な作品を創作した。シャルル・グノーとジュール・マスネはローマで学び、旋律が美しいイタリア風オペラで名を成した。ジョルジュ・ビゼーは寡作だったが、エキゾティックな設定、激しいラブ・ストーリー、覚えやすい旋律の作品《カルメン》で世界に名を轟かせた。だが、この時代のフランス・オペラの歴史で最も革新的な作品と言えるのは、もう一人の異端者クロード・ドビュッシーによる《ペレアスとメリザンド》だろう。

ドイツ・ロマン主義

不思議なことに、19世紀ドイツの偉大な器楽曲の作曲家のうちオペラに惹きつけられたのはベートーヴェンだけで、作品は《フィデリオ》のみである。それに対し、リヒャルト・ヴァーグナーはオペラにだけ関心を持ち、19世紀半ばまでには通作形式の音楽、表現主義的なオーケストレーション、型破りな和声、壮大な旋律の「アーチ」によってオペラという芸術形式を変えつつあった。

ドイツ・ロマン主義に台本へのインスピレーションを求めたヴァーグナーは、宗教的と言えるほどの熱意で民族的な物語の素材にのめり込んだ。初期のオペラ《タンホイザー》と《ローエングリン》で確立したロマン派的なスタイルは《トリスタンとイゾルデ》で頂点に達した。だが、ヴァーグナーが崇拝されるのは、何よりも《ニーベルングの指環》として知られる記念碑的4部作の楽劇による。

ヴァーグナーの影響力は絶大で、2世代にもおよぶ作曲家たちがその影から抜け出すのに苦闘した。それに成功した最初の作曲家の一人がリヒャルト・シュトラウスだ。初期の作品で彼はヴァーグナーのラディカルさを新たな高みまで推し進めた。そして、ヴァーグナーのロマンティシズムを土台にモーツァルトまで取り込んで、今も人気がある《ばらの騎士》《ナクソス島のアリアドネ》《アラベラ》《カプリッチョ》を創作した。

19世紀はまた国民派「音楽」が誕生した時代でもある。ロシアではミハイル・イヴァノヴィチ・グリンカがスラブ民謡を借用し、モデスト・ムソルグスキーは《ボリス・ゴドゥノフ》でロシアの史実を舞台に持ち込んだ。だが、西欧の主要なレパートリーに加わったのは《エフゲニー・オネーギン》や《スペードの女王》を書いたロマン派の作曲家、ピョートル・イリイチ・チャイコフスキーだ。同様に、チェコではベジドフ・スメタナが国民オペラの父と称賛される一方、レオシュ・ヤナーチェクは《イェヌーファ》と《カーチャ・カバノヴァー》のような、さらに洗練された作品を創作した。ヤナーチェクのこの2作品は、今ではモーツァルトの作品と並んで上演されている。

現代オペラの多彩な顔

20世紀ほど、さまざまなオペラの動向が同時進行する状況が明白な時代はなかった。リヒャルト・シュトラウスの《サロメ》と《エレクトラ》はオペラ界全体に衝撃を与えた。その後すぐに、アルノルト・シェーンベルクが和声を拒否して無調（特定の調によらずに構成された音楽）を選択することで伝統的な音楽概念を捨て去った。


1920年代には、シェーンベルクとアルバン・ベルクは十二音音楽をオペラに導入し、シェーンベルクは《期待》と《モーゼとアロン》を、アルバン・ベルクは《ヴォツェック》と《ルル》を作曲した。だが、彼らが近代音楽を再定義した一方で、より伝統的なオペラは今も引き続き作曲されている。

しかし第2次世界大戦の終結以来、オペラは実験場にも似た様相を呈しはじめた。カールハインツ・シュトックハウゼン、ルチアーノ・ベリオ、フィリップ・グラスなどの作曲家が、セリー技法（音色、テンポなど音以外の要素も数列化）やミニマル（音楽要素の反復を特徴とする）、電子音楽、さらには無音やノイズの利用までさまざまな表現法を試みた。だが今のところ、戦後の作曲家のうち、世界中で頻繁に演奏されるのはベンジャミン・ブリテンだけだ。《ピーター・グライムズ》と《ビリー・バッド》によって、ブリテンは力強い台本を、深く心を動かす音楽へと導くことに成功している。

過去と同じように今も、力強さとオリジナリティによってオペラをつねに前進させることは、作曲家にとって困難な課題だ。新作を委嘱するオペラハウスの存在は、オペラの未来の保証につながり勇気づけられる話といえよう。結局、今は非常に奇妙に感じられる光景や音声の中に将来の傑作が潜んでいる可能性があることは、オペラの歴史が証明している。

（アラン・ライディング）
（レスリー・ダントン=ダウナー）
（加藤 浩子（監修））