2月2日 日本音楽著作権協会=JASRACが、来年1月から「音楽教室」での著作権料として年間受講料の2.5%を徴収する方針を発表しました。

 にわかに社会問題のごとく取り上げられ、ネットではかなり素っ頓狂なやり取りも目にしました。

 この件については、親しい同僚で公私にわたってお世話にもなっている玉井克哉教授がJASRAC外部理事として1人で矢面に立っておられる感があります。

 逆に言うと、音楽著作権で食べているはずの、私たちクリエーターサイドからのきちんとした議論を目にしません。

 そもそも音楽著作権とは何のためにあるものか、音楽教室とはどういうものか、といった本質を含め、複数の観点から考えてみたいと思います。

 同時に、水と空気とソフトウエアは無料と思っている日本の風土で、クリエーターがどういう暮らしで困っているかも併せて知ってもらいたいという気持ちが強くあります。

音楽著作権登録って・・・?

 いきなりですが、いま私は音楽著作権登録の準備をしています。3月に発売する、俳人の金子兜太さんとご一緒するCDブックの準備で、金子さんと私の作品登録、発売するCDの登録などいくつかの作業をしなければなりません。

 音楽CDってどうやって作るんでしょう?

 今回の場合は、ライブの歌や楽器で演奏する部分と、エレクトロニクスで兜太さんの声を正弦波の束に変換する私の仕事部分に分かれています。

 正弦波の束に変換された兜太さんの声は、その繊維の1本1本にリヴァーブをかけたりすると、母音や子音の成分から笛のような音や鈴のような音、お能の鼓やシンバルみたいな音が言葉の中に隠れているのがきれいに取り出せます。

 そうしたものとライブの演奏と双方がある「ライブエレクトロニクス」というスタイルをとっています。早い話、前衛の売れない音楽ですね(苦笑)。

 これをどうやって作ったか、簡単にお話しましょう。1月19日に私は車で埼玉県熊谷市の金子兜太邸を訪ねて声を録音させていただき、即日素材をピックアップ、シニュソイダル分解というプロセシングをMATLAB上で実施して響きの系列を数十本作りました。

 20日以降は、安田講堂で中学高校生向けのオーケストラ音楽教室があったのでリハーサルその他で忙しく数日お休み。

 22日の深夜にこれが終わり、23日また少し準備して24日にレコーディング。

 ここではソプラノ、ピアノ、弦楽器、管楽器、打楽器と、エレクトロニクスの一部として、白川英樹先生にご指導いただいている導電性プラスチックを用いたポリマーフィルム・スピーカーなども併用して夕方に録音しました。打楽器は銅鑼などを高円寺の打楽器屋さんから借りてきます。

 言うまでもないですが、当然、全部経費がかかるわけです。会場を借り、老舗のコジマ録音にまず収録でまる1日おつき合いいただき、マイクロホンその他、高精度の機材をベテランのトッププロが駆使して音を録る・・・。

 有限な時間内で有限の手順で実施する職人仕事として、きっちり仕事をせねばなりません。

 さて、そうやってできた、マルチチャネルの録音をそのまま売ればCDになるか・・・。

 なりません。素材にはいろいろな傷があることがある。そもそも曲順になっていません。これを1月31日にエンジニアのK君が1日かかって取り出して整理し、バージョン・マイナス1.0を作って、ファイル共有システムで私のところに送ってくれます。

 これを確認し、一方では内容をチェック、他方では、この仕事をプロデュースしてくださっている黒田杏子さんに、私が自分のPCで手焼きしたマイナス1版のCDを届けます。

 黒田さんはそれを持って翌日、熊谷の金子さんのお宅に走り、私はマイナス1版を車のオーディオに突っ込んで移動中など何度も聴いて細かな傷その他を見逃さないよう確認、大まかな修正点のメモを作ってスタジオに戻します。

 そして2月6日の夕方、すでに送った明らかなミスの除去に始まって、直しの作業を行います。ここで私は、もともとの金子さんの声から、素材の要素をすべて再度コンピューターで計算・出力し直しました。

 レベル的に綺麗に行かない部分があったので、すべてやり直したのです。私はそういうことに手数を惜しむ方ではないので、ともかく徹底して仕事します。

 途中、版元の担当者がスタジオにやって来て、録音会社の担当と打ち合わせます。この間はスタジオワークを中断して、マルCやマルPの相談をします。

 マルCというのは著作権表示ですが、マルPというのはご存知ない方があるかもしれません。これは、

 「許諾を得ないレコードの複製からのレコード製作者の保護に関する条約」(レコード保護条約)第5条で定められる「原盤権」のための表示」

 というもので、社会的にとても重要なものですが、世間はさっぱり認知してくれません。

 いま、私はあえて、細々としたCD作成の詳細を上に記しています。分かっていただけると思いますが、こんな小さなレコーディングでも、1つの商品が完成するまでには、何十人というプロが、数千万円程度は原価のかかったシステムを駆使して、職人仕事で協力してものを作っている、という事実です。

 各々の会社の担当さんは、その日1日に限らず、2週間とか3か月とか半年とか、この仕事にかかりきりになることもある。そうやって著作物というのはできるわけです。

 テレビでニュースなどご覧になると、エンドマークで例えば「制作・著作 NHK」と出るのを見た記憶がありませんか。

 ここで言う「制作・著作」に近いのが、マルPマークで保護される「原盤権」という考え方で、いま上に書いた、細かくて多岐にわたる多くの仕事は、今回の「原盤」を作るためにかかったコストで、それを支払わなければこの仕事は成立しません。

 今回は「黒田杏子・金子兜太プロジェクト」が制作すなわちプロデュースして、この作品が生まれており、マルPマークとしてこのクレジットが「複製されるすべてのCDの盤面」にしっかり刻印されます。

 ちなみにPはプロデュースのPと思いやすいのですが、原盤の盤、フォノグラム=PhonogramのPで、もともとは紙に印刷していた楽譜の複製著作権マルC=Copyrightと対をなすものであるようです。

 このようにして、きちんと原資を回収するシステムを確立しなければ、どうやって良質のCDを作って社会に送り出していくことができるでしょう。私たち霞を食べて生きてはいけず、音楽業界で身を粉にして働いている若い人は、多くが薄給で懸命に仕事しています。

 今回の話で、一番質が悪いと思った中に、芸能人で著作権を持つ人が、安易に「音楽教室でタダで使ってほしい」などと発言するケースがあります。

 冗談ではない。自分がお神輿に乗せてもらい、それを多数のスタッフが支えてくれているという自覚があれば、皆なのために、きちんとした社会のルールを守らなければならないことは大人なら分かって当然です。

 一時のレコーディングその他だけ顔を出し、あとは不労所得で、ほっておいてもお金だけが入ってくる、という現在のおかしな著作権システムで、あぶく銭的に儲かってしまっているところから、そういう乱暴な話が聞こえてくるのだと思います。社会の良識ある大人はまともな頭を働かせていただきたい。

 自分独りで作っているわけではないのですから。

楽曲の「コピーライト」とはそもそも何だったのか?

 いま、私が現在作っているCDを例に、音楽著作権の1つの切り口をお話しました。同様のことが「作曲」など、関連のほかの生業にも直結します。

 「音楽なんて、頭で適当に考えて、鼻歌歌って作ればいいんだから楽じゃないか」とか、誤解しないでいただきたい。

 楽曲を作るという作業にも、それなりの準備やプロセスが必要ですが、いまここでは分かりやすいように、音楽出版という観点でお話してみましょう。

 上にCDで記したような細かな手間が、実際に人間が演奏する音楽の作曲には、大なり小なり、いろいろ関係してきます。

 純粋にスタジオでゼロから完パケ(完全パッケージの略だと思いますが)を作るのであれば、以下に記すようなコストはほとんど発生せず、結果的に何もしなくても印税収入、みたいな逆転現象が発生する大本、と思って読んでください。

 私が30歳から33歳にかけて音楽監督を務めていた「題名のない音楽会」というテレビ番組は、隔週で2本ずつ、主として渋谷公会堂で収録を行い、毎月4本、26分程度の番組をオンエアしていました。つまり毎月コンスタントに100分ぶん以上の「完パケ」4本を作り続けねばなりません。

 以下は1970年代あたり、つまりテレビ放送がすべて生番組ではなく、VTRというものが使えるようになった。つまり録画して編集したものを後からオンエアできるようになってからの流れと思ってみてください。

 その昔ザ・ドリフターズの「8時だョ 全員集合!」というお化け番組がありましたが、あれが「生本番」の形式。

 オイルショック前後あたりにVTRが普及して、いかにも編集したお笑いの「俺たちひょうきん族」に取って代わられていったのは象徴的でした。そういう時代の番組制作をスケッチしてみます。

 ある週の月曜日に「題名」の企画会議があります。そこで企画が通ったら、適切な楽譜が存在しない楽曲は直ちにアレンジャーに連絡が行き、これこれを何分の尺でこんなふうに作ってよ、的な発注がなされます。

 長年、作曲の黛敏郎さんがこの番組を作っておられ、自分自身すべての仕事ができる人が、手が回り切らないので、仲間や生徒などに仕事を振るわけですね。

 出光興産が1社スポンサーで電通が代理店として入っている番組なので、当然広告料に対する責任を取るべく、放送作家さんが台本というものを作らねばなりません。長年、藤田敏雄さんという方がこれを務めておられました。

 こんなふうに、企画がまとまってから、関連する楽譜が発注され、台本も発注され、それが仕上がってくるのは週末前後、つまり2〜3日しか実労の時間はないわけですね。音楽学校の必要性は、こういう中でしっかり仕事ができる人を作ることにあるはずなんですが、なかなか最近は・・・。

 閑話休題。

 そこで、アレンジャーがアレンジしてくればすぐに演奏になるかと言うと、少なくともかつては、そんなことはなく、これをパートというものに分けなければならなかった。

 ピアノはピアノの、ラッパはラッパの、ドラムスがあればドラムスだけの「パート譜」を正確に作る、写譜という作業があったわけですね。

 ここが「コピーライト」コピーすなわち複製の原点で、写譜は写譜で大変な職人作業、NHKのプリントセンターとか、ハッスルコピーさんとか、ごく限られた工房にほんの少しだけ、こういう仕事のプロフェッショナルが以前は居られましたが、今は楽譜浄書ソフトの普及で常勤専業では成立しにくくなっているのが現状でしょう。

 この正確、精密に作られたパートがあって、初めてまともな演奏が、限られたリハーサル時間の中でもきっちり行くわけです。

 1月の音楽教室で、私がパートの隅々までうるさいのを、学生が「そんな面倒なことまで先生がなさらなくても」と言い、それはとんでもない心得違い、と返した経緯がありました。

 いざ本番で、皆が貴重なリハーサル時間を共有している45分とかの中で「譜面にミスがあるんですが――」と10分や20分を消費していたら、水準の出る合奏になどなるわけがありません。

 こういうものを支える、多くの職人たちがしっかり生活できるように、元請けが一時金でスタッフを養い、そこで先行投資した分を後で配給語にきっちり回収して、次の良いものを作りましょう、というのが、そもそもこの権利が確立されるにあたっての、現実の背景にほかなりません。

 それらが、現状のようにゆがんだ形になってしまったのは、ひとえにデジタル化とネットワーク化で良心的なプロが仕事する場がなくなり。結果的に著作権ビジネスが資産経済化して、莫大な不労所得の引っ張り合いに変質したことが一番大きい問題です。

 はっきり書けば「癌」だと思います。こうしたことについては稿を改めてしっかり記すつもりです。

今回の状況を正しく読むには・・・

 1980年、私は音楽を学ぶ高校1年生でした。アナログのLP盤にダイヤモンドやサファイアの針を降ろしてレコードを聴いていました。そのほか、カセットテープという媒体が普及しており、FMをエアチェックしたり、自分たちの演奏を取ったりするのは、アナログで音質は悪かったけれど。手軽に録音できる道具で毎日使っていた。

 それがある日、レコード店店先に、虹色にキラキラ光る銀の小さな見本が吊るされていて、びっくりしたのが昨日のように思い出されます。CDの登場でした。

 家の近くにあった「国立楽器」という国立音大の購買部のようなお店でしたが、いまはもう存在しません。これもまた象徴的なんですが・・・。

 「デジタル録音」されたLPというものが出始め、それにも驚嘆しました。

 1981年、高2だった私にとって、ユージン・オーマンディ指揮・フィラデルフィア管弦楽団、バルトーク「管弦楽のための協奏曲」という真っ赤なLPは、冒頭のコントラバスの音が、スピーカーからコントラバスの松脂の粒が飛び出して来そうにリアルで、日々弦楽合奏しながら、録音しちゃうと音は劣化が当然と思い捨てていた16歳には驚天動地の出来事でした。

 その後、CDメディアが興隆し、幾時代かがありまして、茶色い冷戦も終わり、1995年、私が30歳の頃、インターネットというものがいつのまにやら世間に染み出し始めていた。

 で、CD産業は遠からぬ死を宣告されるわけです。実際、すでにレコード・CDなどはもはや主要な音楽の器ではなくなっている。

 これは悪いことか言うと、そうは思わないんですね。映画評論家の蓮実重彦は007をもじって「映画は2度死ぬ」と言いましたが、レコードやCDも2度死ぬことによって、本当の意味で実質の器になると思います。

 アナログ・レコードの死はデジタル録音の普及でもたらされます。品質が劣化しないコピーがいくらでもできる。産業としては終わりが見えてしまった。

 CDの1回目の死は。インターネットでデジタル情報がいくらでも流通するようになり、プラスチックの板を媒介とするビジネスが落日を迎えることで齎されました。2000年前後にはダウンロードで音楽を聴くことがごく普通になった。

 「おまえは既に死んでいる」と宣告されたCDの第2の死は、集積化・大容量化、端的には「ビッグデータ化」で齎されたと思います。

 人間が一生かかっても聴き切れない分量の音楽、あるいは映画作品でも映像でも書籍でもよいのですが、そういう莫大なリソースが、「え?」というくらい安い値段で、手のひらに乗る媒体、さらにはそんなものすら存在しないファイル交換で、一瞬のうちにやり取りされるようになってしまった。

 いまやCDなど、よほどの物好きがクオリティにこだわって作るしかない、2度目の死後の極楽浄土みたいな状況になっている。

 だから私は作品をCDとして、いわば遺言代わりに作っているようなわけですが、それにも制作原価というものはかかっている。

 そういう全体を見ず、水や空気と同様に無料でどのようにでもできると思うのは「子供の領分」であって、したたかに生活しつつ、質の高いものを作っていく大人の考えとしては成立し得ないものです。

 本当にきちんとした音楽教育を施そうと思ったら、必要なお金はかかります。楽器だって高価だし、教室のピアノだってメンテナンスだけでも毎月何万円も必要になる。

 音楽教室はすべて、きちんとそういうコストもかけながら、生徒さんに教えて営利、生活しているプロの集団です。

 プロだったらプロの分別を持つ必要があります。

 音楽教室業の人が、自分たちのところに入ってくる月謝の中から、いままで音楽著作権相当分を払っていなかった、ということの方が、私たち音楽を作るサイドの人間にはむしろ新鮮に響いた気がします。

 「子供に良質な音楽を! できれば無償で!」

 そのとおりと思います。先月の日本学術振興会+東京大学の音楽教室も、生徒は一銭も負担していません。でも、それを作る側の人をしっかり支えねばなりません。

 そこに官費が使われており、教育用コンテンツ作成のポストプロダクションが今も続き、私は経理書類の書き直しで昨日も今日も長い時間を費やしている最中です。

 つまり、しっかりした公益性のあるビジネスモデルを立てて、心あるプロフェッショナルがきちんと生活し、価値あるものを生み出し続けていく、そういうガバナンスが必要不可欠だということです。

 音楽著作権を皮切りに、知財については、ここ20〜30年、生活を支える基盤として常時触れてきた様々な実例がありますので、適宜噛み砕きながら続きを記したいと思います。

(つづく)

筆者:伊東 乾