レコーディングスタジオという「学校」:OMSB、OBKR、never young beachの「開かれた」冒険

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『WIRED』VOL.21「音楽の学校」特集にて、東京の音楽シーンで最も注目される3つのスタジオを取材した音楽ジャーナリスト・柳樂光隆。彼はそこで3人の若き音楽家と出会った。取材後スタジオは「学校」であるという結論に至った柳樂が考える、未来ある「生徒」たちが生みだす音楽の可能性とは。

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存在感を増す「新しさ」

ぼくが今回の取材で出会ったOMSBOBKR(Tokyo Recordings代表)、安部勇磨(never young beach ギター&ヴォーカル)の3人は、「これからのシーン」にいるのではなく、既に大きな話題となっている音楽家たちだ。『WIRED』本誌でも書いたが、彼らの音楽は少し前まで音楽業界のなかでいわれていたようなガラパゴスだとか、洋楽離れだとかいったタコツボ化を批判する言説とは無縁のものだ。

彼らに共通するのは、プロモーション手法や話題づくりではなく、音楽そのもののクオリティで勝負している点、そして、いまの時代に求められている同時代性を、さらにいえば、前の時代からの切断面を感じるほどに「新しさ」を有しているところだろうか。そして、こんな音楽家たちがじわじわとシーンを浸食し、いつの間にか放っては置けないほどに存在感をもっていることは、ある種の驚きでもあった。

トロピカルな「ゆらゆら」感:never young beach

hmc Studioで出会った安部勇磨がボーカル&ギターを務めるnever young beachはいまや、ライブハウスを満員にしてしまう人気バンドだ。彼らの音楽には、はっぴいえんどやティンパンアレー周辺の1970年代の日本語ロックを思い起こさせるような要素がメロディーや歌詞などにあり、どこかノスタルジックだ。ただ、その音色やリズム感、エフェクトの使い方などは、明らかにいまのタイミングにフィットするものにアップデートされている。

ロック的な部分でいえば、フランツ・フェルディナンドのようなレトロなテイストだったり、マック・デマルコのようにローファイでサイケデリックなサウンドだったり、過去の音楽を再解釈してアップデートさせた00年代以降の音楽がもっている感覚があると思う。そして、トロピカルな要素に関しては、細野晴臣的でもあるが、同時に坂本慎太郎以降という方が近いと感じる。というのも彼らの音楽は、安倍自身がライブのMCで「いい感じで横揺れしてくれ」というように、あくまでダンスミュージックとしてつくられていると思えるからだ。

ロックバンドの形態ではあっても、バレアリック(心が落ち着くようなダンスミュージック)や、ニューディスコ以降の感覚が入りこんでいるように感じてしまうのも、その程よい湯加減のダンスを意識したグルーヴゆえ。彼らのどこまでもゆるく、自由な開放感に満ちているサウンドを聴いていると、ゆるやかにゆらゆらと揺れながら楽しみたいと思ってしまう。そんな彼らの音色や質感など、さまざまなこだわりを具現化してくれるのがhmc Studioと、そのエンジニアを務める池田の力量なのだろう。

ヒップホップを内側から食い破る「ホンモノ」:OMSB

RDS Toritsudaiで会ったOMSBは日本のヒップホップの新世代としてシーンを牽引するSIMI LABのMC/ビートメイカーだ。いまやKOHH、ZORN、Campanella、DCPRGなど、さまざまなアーティストへの楽曲提供や客演参加で知られているトップランナーでもある。そんな彼のアルバム『Think Good』は純然たる王道のヒップホップ・アルバムだ。しかし、ヒップホップにこだわりぬいた結果、その強度がヒップホップを食い破って、ジャンルの境界を意図せずに乗り越えてしまったようなすさまじさがある。

サンプリングでつくられたビートのループを軸につくられているが、お決まりのネタ使いはほとんどみられないし、どこかで聴いたようなビートも聴こえない。あくまで誰とも違う音源から、誰とも違う部分を抜いてきて、それを基につくられたビートから生まれた本作は「音源を掘る=Dig」へのあくなき探求なども含め、実に由緒正しき、ヒップホップの在り方を体現しているが、それ故に圧倒的なオリジナリティーを有している。

さらにそのビートはIllicit Tsuboiとの共同作業で磨き上げられ、音響面でも圧倒的な力を宿す。「黒帯(Black Belt Remix)」での地鳴りのような低音をはじめ、その一音一音の鳴りの強さ/太さ/確かさに加え、質感や定位を的確にコントロールし、重層的で分厚い音像をもたらしているのも本作の魅力だ。

実験的ともいえるチャレンジングなトラックからはヒリヒリした緊張感が感じられるが、その音のゴージャスで、どっしりとした安定感をも同時に感じさせる響きからはメインストリームであろうとする意思がうかがえる。それはJ・ディラの『Welcome 2 Detroit』やフライング・ロータスの『Cosmogramma』、カニエ・ウエストの『Yeezus』などがもっている「ホンモノ」が必ず宿しているのと同じものだと思う。

若き美意識で洗練されつくしたサウンド:綿めぐみ、Capeson

OBKRらが主宰するレーベル「Tokyo Recordings」がリリースしたばかりの綿めぐみの『ブラインド・マン』は今年のJ-POPの台風の目になるんじゃないかと思える傑作だ。前作に収録された綿めぐみの「災難だわ」や、彼らが手掛けた水曜日のカンパネラの「ナポレオン」の時点で僕が感じていたのは、彼らが清々しいほどに音楽の力を信じていることだった。

彼らの音楽の特徴は一言でいえば、「洗練」だと思う。言い換えれば、音数と情報量が完ぺきにコントロールされた音楽。音数だけをみれば引き算的と思えるほどにシンプルすぎる瞬間もあるが、そのなかでも選び抜かれた絶妙な音色や、研ぎ澄まされたビート、そして、そこから巧みに展開していくストーリー性が癖になり、何度も聴いてしまう。安易なインパクトではなく、丁寧につけられた陰影が生み出す細やかな感情の起伏が中毒性をもたらしている。

それは彼らが手掛けたシンガー、CapesonのEP『PORTRAIT1』も同じだ。彼らの作品には、彼らTokyo Recordingsの全員が共有している音楽に対する「美意識」のようなものが隅々にまで詰まっている。

そういえば、取材中にも喜々として音楽の話をどんどん深めてしまう彼らが、ポーツマスのロックフェスで観たザ・フレーミング・リップスのライヴをきっかけに、プロデューサーのデイブ・フリッドマンを徹底的に研究したことが、次の作品に影響を与えていると語っていた。もしかしたら、それが活かされているのは綿めぐみの「ラン!ラン!ラン!」なのかもしれない。USのロックサウンドがこんなかたちでポップに転用されているかもと考えると、新鮮な驚きがある。これも実に彼ららしい、洗練されたロックサウンドだと思う。

オープンに、そしてもっと「聴かれる」ために

今回取材した音楽家に共通しているのは、音楽的にチャレンジはしているが、その音楽はどれもオープンだということだ。個性的なスタジオで優れたエンジニアともにつくられたこれらの音楽は、クオリティが高いだけでなく、多くのリスナーに届くような風通しのよさをもっている。

それは「聴かれる」もしくは「聴き手に届く」ということに意識的な作品ともいえる。音楽性はそのままに、届ける射程の距離だけを伸ばしているこれらの音楽が、クールジャパンとはまったく違うかたちで、世界に出ていく日もそう遠くはないかもしれない。

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自宅で簡単に録音できるようになったいま、なぜアーティストたちはわざわざレコーディングスタジオに集うのか??東京でもっとも注目される3つのスタジオを取材した音楽ジャーナリスト・柳樂光隆が新しいコミュニティスクールとしてのスタジオを解き明かす。そこにみえた新しい学びのかたちとは。
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